lørdag den 21. december 2024

Anmeldelse: EN VRED KVINDE i Krudttønden

Foto: Robin Skjoldborg.

Da vi kommer ind, er der frithængende bøjler med 8 forskellige beklædningsdele, der hænger i en halvcirkel rundt om et lille gulvtæppe midt på scenen. Det er en enkel, men meget smagfuld scenografi, belyst med varmt rødt lys, mens der lyder dæmpet sang. Det er et rart rum at træde ind i. Man føler sig godt tilpas, så vreden er i hvert fald ikke at spore i scenografien.

Lidt efter kommer Ilham Herisi ind. Hun er en ung dansk/afrikansk kvinde, midt i 20´erne, iklædt en sort heldragt, der straks giver associationer til en påklædningsdukke, der skal iføre sig de forskellige ophængte beklædningsdele i løbet af forestillingen - eller monologen som det er. Det fungerer som en god dramaturgisk inddeling af teksten.


Foto: Robin Skjoldborg.

Overskriften er identitet, racisme og feminisme. Ilham Herisi har selv skrevet teksten som hun fremfører. Det er både hendes debut som dramatiker og som skuespiller.

På Robin Skjoldborgs flotte plakatfoto til forestillingen er hendes ansigt holdt halvt i skygge, mens hun holder den ene hånd op langs ansigtet. Hun kigger direkte ud på os. Ansigtet er åbent, sørgmodigt og direkte. Der er noget afventende og insisterende i blikket. Hun er ligesom i forestillingen iført sort. Det er rart at kigge på, men det er også sorgfuldt. Det gælder også forestillingen. Jo, hun er vred, men vrede er mange ting. Hun tager direkte øjenkontakt allerede fra starten af. Men hun er ikke bare vred. Vreden er hendes benzin, men hun vil meget mere end den - heldigvis.


Foto: Robin Skjoldborg (udsnit).

Hendes stemme er ikke stor, men insisterende og hun trækker os til sig, mens hun holder os fast med blikket. Hun slutter med en fremstrakt hånd, så vreden er måske nok det vi først og fremmest møder, men det stopper ikke ved den. Det er hendes måde at vise os på, at hun har fået nok. Hun vil ikke finde sig i det længere. Hun vil ikke bare leve i det billede vi allerede har skabt os af hende som en ung afrikansk kvinde. Hun efterlyser, at vi møder hende sådan, som hun er, at vi ikke bare kigger på hende med vores allerede fastholdte indtryk af hende. Hun er så meget andet end det. Hun vil så meget mere end det. Hun vil have lov til at være her i sin egen ret. Hun er et selvstændigt individ.

Det er befriende, at hun ikke forskanser sig selv oppe på bjerget og bare nøjes med at være forurettet, for hun er også spørgende, og hun bliver ved med at spørge om, hvorfor vi holder hende udenfor?


Foto: Robin Skjoldborg (udsnit).

Feminismen får sine egne spark. Det kan jeg som mand ikke rigtig forholde mig til, men hendes anklage er meget mere generel, og det rammer og berører mig. Men ikke på nogen ødelæggende måde. Det er tydeligt, at Ilham Herisi er optændt af sin mission, og det er en imponerende iscenesættelse af den, vi møder i EN VRED KVINDE.

Teksten kommer lige fra hjertet, og skildrer billeder fra et liv, hvor hun hele tiden har følt sig holdt udenfor og adskilt fra dem med privilegierne - altså alle os, der ikke selv er klar over, at vi er de privilegerede. Det er nødvendigt med dramatiske tekster som denne. Det befriende ved den er den afsluttende udstrakte hånd.

Hele 'sagen' er meget sympatisk, og selvfølgelig er det frækt af mig at komme med den påstand, at det er den kamp vi alle kæmper ikke bare for at finde en plads i livet, men især vores egen plads.  Kampen for at finde os til rette og få den betydning for andre som vi har for os selv. Det er den kamp vi alle har, men selvfølgelig er det frustrerende at skulle kæmpe med at vi og omverdenen allerede har billeder af, hvordan vi sikkert er. Især når det står i vejen for et egentligt møde, hvor det er nysgerrigheden og den ægte interesse, der fører an.


Foto: Robin Skjoldborg (udsnit).

Forestillingen spiller selv på det. Ilham Herisi lader kvinden på scenen, der tydeligvis er hende selv, født i Kenya, opvokset i Somalia, skildre det, når hun på den ene side er klar over sin medfødte skønhed, men det er først langt senere, at hun bliver bevidst om den. I folkeskolen var det kun blondinerne og brunetterne,  drengene havde øje for. Hver morgen glattede hun sit hår, for at bliver af med de medfødte krøller. I gymnasiet fik hun pludselig den opmærksomhed fra fyrene som hun ikke havde mærket tidligere, men hvordan gebærde sig, når selvbilledet er skadet og præget af at bliver ignoreret indtil da? 

Nu får hun pludselig en seksuel opmærksomhed, der alene går på hendes udseende. Som om alt andet allerede er sagt.

"Jeg er færdig med at undskylde min vrede!", står der fremhævet som citat på flyeren til forestillingen, hvor der også står, at det "ikke kun er en personlig fortælling - den bygger også på research og andres oplevelser som minoritetskvinde i dagens samfund. Ideen udsprang, da jeg reflekterede over spørgsmålet: Hvorfor  må kvinder ikke være vrede? Og hvordan er det for en afrikansk kvinde? Er hendes vrede ikke også legitim?"

Ilham Hersiri får gjort vreden legitim i løbet af forestillingen, hvor hun går fra at være noget, der er intet, og til sluttelig at iføre sig sin afrikanske identitet, hvor der er plads til hende. Hun er færdig med at føle sig udenfor. Færdig med at ville tilpasse sig noget, der ikke er hende. Færdig med at stå i skyggen af sig selv og andre. Nu er hun klar til at træde ud i lyset. Hun er ikke skabt til at stå i skyggen. Hun er klar til at træde ind på scenen - og det gør hun tydeligvis i EN VRED KVINDE. Så det, der startede med en vrede, bliver til en fortælling om at finde sig selv båret frem af en oprigtig nysgerrighed og interesse for at indgå i en dialog. Lad os tage imod den invitation!

Diêm Camille har været dramaturgisk konsulent på forestillingen (og har også lagt stemme til de afspillede sentenser og spørgsmål, som hovedpersonen besvarer i løbet af forestillingen). Mette Frank har været scenisk konsulent. Rebecca Langley Jensen har været instruktørassistent. Lyddesignet er af Jakob Folke Ivarsson og lysdesignet er af Julian Simpson.


Foto: Robin Skjoldborg.

EN VRED KVINDE

af og med ILHAM HEISI

i Krudttønden, Serridslevej 2, 2100 Kbh. Ø.

18. - 22. december 2024

60 minutter

Monolog


Manuskript: Ilham Herisi

Dramaturgisk konsulent: Diêm Camille

Scenisk konsulent: Mette Frank

Instruktørkonsulent: Rebecca Langley Jensen

Fotograf: Robin Skjoldborg

Lyddesign: Jakob Folk Ivarsson

Lysdesign: Julian Simpson


Hjemmeside & billetter.

FB-begivenhed

*


Se også fortegnelsen 
over de øvrige 233 teateranmeldelser.

*



torsdag den 28. november 2024

Anmeldelse: ENTER COPY på Bådteatret

Foto: Jacob Stage.


Vi befinder os i et forsøgscenter, der senere viser sig at være et militært anlæg. Vi er der sammen med tre personer, som vi gradvist lærer at kende. I starten er de lige så udefinerede som stedet. Tid, sted og rum er uvist. Det kunne både være før, nu eller ude i fremtiden. De tre personer, som vi er sammen med, har ansøgt om at være med. De har betalt mange penge for det, og i den første indledende scene møder vi Alice, en 60-årig pensioneret arkitekt, spillet af Sue Hansen-Styles. Hun har underskrevet snesevis af dokumenter, der bekræfter at hun er her af egen fri vilje, og at hun ikke kan holde stedet ansvarlig for, hvad der skulle ske hende. Heller ikke, hvis det skulle resultere hendes død. Det er så at sige rammen for fortællingen. Det er en meget spinkel ramme, som den serbiske dramatiker Tanja Mastilo tager afsæt fra. Mastilo er næsten husdramatiker hos Why Not Theatre Company, der efterhånden har opført mange af hendes stykker - og har gjort det med stort held og dygtighed.


Foto: Jacob Stage.

Det er et gennemgående træk i Tanja Mastilos dramatik, at vi er lukket inde sammen med personer, der føler sig fastholdt og lukket ude fra det omgivende liv. Hendes dramatik giver mindelser om Jean-Paul Sartres "Lukkede Døre" og August Strindbergs "Et Drømmespil". Det er fabulerende og nådesløst. Det uvisse fungerer godt på en scene. Publikum er ofte lige så uvidende som de medvirkende. Det er et godt dramatisk udgangspunkt, når vi alle bliver holdt fast i samme uvished. Derved bliver det et forsøg på at forstå, hvad det vil sige at være menneske. Det er meget selvransagende, men også krævende, for hele tiden får vi kun historierne fortalt drypvist. Ofte gør det, at vi bliver holdt frit svævende - ligesom i denne forestilling, hvor vi også præsenteres for Kendall, en 40-årig levemand, spillet af Bennet Thorpe, der er blevet forladt af sin kone. Den tredje person er den unge Simon, spillet af Daniel Neil Ash, der har massive rygsmerter efter seks operationer som følge af, at han har befundet sig inde i et sammenstyrtet hus. 

Disse spredte oplysninger om de medvirkende varer det lang tid inden vi får. Længe handler det om, hvordan de positionerer sig i forhold til hinanden. Alice udviser omsorg for Simon, der viser sig at være i hæren og den eneste af de tre, der ikke selv har betalt for at være med. Han kredser meget om løjtnanten, der betyder alt for ham, og som han også har varme følelser for. Det er uvist, om det netop er grunden til, at han er der. 


Foto: Jacob Stage.

Vi ved det ikke, der er ingenting vi ved med sikkerhed. De tre udsættes for simulationer. Kendall bringes tilbage til et dansested, og vi danser rundt sammen med ham. Stedet leger med hans erindringer og prøver at genopbygge dem kunstigt. På samme måde som Alice bringes til at se sin afdøde søn. Både manden og sønnen omkom i en trafikulykke. Alice er chokeret, rystet og skælder ud over, at hun på den måde bringes tilbage i sine minder. Vi fornemmer, at det er noget af det som hele forsøget går ud på.

Det er ganske udmattende ikke at vide, hvad der sker - og stykket bevæger sig ikke ud af stedet. Det er meningen, at vi skal føle os lukket inde i en kunstig forsøgsverden, hvorfra der ingen vinduer er ud til omverdenen. Undervejs ved jeg ikke, hvor jeg skal gøre af forestillingen. Jeg svæver lige så meget i det uvisse som de tre på scenen, men selv om jeg bagefter forlade teatret forvirret og konfus, er det alligevel et af den slags stykker, der arbejder videre i underbevidstheden. Det er både irriterende og fascinerende.


Foto: Jacob Stage.

Faktisk er det noget af det, som teatret er så eminent til. Det planter frø i vore sind, der bagefter spirer videre. Det er ofte den slags oplevelser, der har en væsentlig længere levetid end forestillinger, der umiddelbart virker forløste og færdige. ENTER COPY leger med vores underbevidsthed. Det drillende og udfordrende er  hele pointen. Så selv om jeg forlader teatret uforløst, er forestillingen slet ikke færdig med mig. 

Jeg er på overarbejde. Mit sind og min krop kæmper for at finde sammenhængen. Det er først på cykelturen hjem, at det slår mig, at det jo netop er et billede på vores moderne liv, hvor vi omgiver os med skærme og derved ophæver den ydre virkelighed omkring os, eftersom det digitale skærmliv langsomt overtager vores fysiske liv. I stigende grad bruger vi tid på at kontakte hinanden gennem skærme på bekostning af den nærhed, som vi dermed fravælger. Vi er blevet helt og aldeles spundet ind i vores digitale omgivende verden. Vi er efterhånden mere til stede i vores mange parallelle universer. Vi går rundt med skyklapper på. Eller i hvert fald med høretelefoner. Jo, vi lytter til musik, til podcasts, til radio og er ikke længere fuldt til stede der, hvor vi er. Vores bevidsthed suges hele tiden andre steder hen. Det er noget af det, forestillingen med rette gør opmærksom på. 


Foto: Jacob Stage.


Det umiddelbare mest varme ved forestillingen er den udefrakommende mekanisme stemme, der taler til de medvirkende i eksperimentet. Nathan Meister har en blød, rund og meget melodisk klang og resonans i stemmen, så at vælge ham som den computerregenererede stemme udefra er velvalgt. Det er Meisters stemme og Daniel Neil Ash, der fascinerer mig mest ved forestillingen. Ash har et betagende stumspil. I en forestilling, der er meget lidt fortællende, er et sådant smertefuldt spil meget sigende.

Jonathan Hjorth er scenograf, lysdesigner og konsulent på lyden. Det er et fint stykke arbejde han får til at fungere godt sammen med teksten. Også selv om instruktøren, Jacob Stage, har valgt, at der hele tiden skal flyttes rundt med de flytbare, oplyste kasser på scenen. Det fungerer som sceneskift, men mindre ville også have kunnet gør det. Vigtigere er, at han får arbejdet godt med spillerne, selv om teksten er umådelig svær, da den insisterer på stilstanden, og at der skal være så lidt fremdrift som muligt. Jeg synes ikke, at det er en af Mastilos bedste tekster. Det fungerer som et eksperiment. Jeg håber, at retningen fremover bliver mod mere samling end opløsning. På mig virker det ikke farbart at fortsætte videre ud ad denne vej.

Tankevækkende er det! Vores menneskelighed smuldrer, og vi står nøgne tilbage. På den vis er det ikke noget rart menneskesyn, vi er omgiver af. Det er også en vigtig vision for teatret at stille spørgsmål og flytte os hen til steder, hvor vi bliver stillet over for endnu flere spørgsmål - og det må man sige at forestillingen gør. Det er spørgsmål uden svar. Det er de svar, vi selv må bakse med at finde. Det er ikke behageligt, men nødvendigt.

Forestillingen opleves endeløs. Personerne hænger frit sprællende, og det er netop meningen. Det er samme fortællestruktur, der går igennem megen af Tanja Mastilos øvrige dramatik og dermed også gennem Why Not Theatres seneste produktioner. Denne gang er fortællekonstruktioner lige ved at opløse sig selv. Det er ganske skræmmende - og det lover ikke godt for den verden, vi præsenteres for på scenen. Der er ikke meget håb at finde. Det er i det hele taget svært at finde ud og komme væk. Men der er ingen vej uden om COPY ENTER. 


COPY ENTER

Gæstespil af 

Why Not Theatre Company

på Bådteatret

28. november - 18. december 2024

105 minutter


Manuskript: Tanja Mastilo

Instruktion: Jacob Stage

Scenografi og lys og lydkonsulent: 
Jonathan Hjorth

Medvirkende: 
Sue Hansen-Styles, Bennet Thorpe, Daniel Neil Ash 
og Nathan Meister

Forestillingen spilles på letforståeligt engelsk.

Hjemmeside & billetter

Se mere på 

*


Tidligere anmeldte 
 Why Not Theatre-forestillinger:

2023:

2021:

2020:

2019:

2017:

2016:

2015

2014:

2013:

*

Se også fortegnelsen 
over de øvrige 233 teateranmeldelser.

*

onsdag den 6. november 2024

Anmeldelse: SÅ BLEV FARFAR ET SPØGELSE på Anemonen

 


SÅ BLEV FARFAR ET SPØGELSE 

på Anemonen

af Kim Fupz Aakeson 

29. oktober - 14. november 2024

4 - 9 år & voksne
 50 min.



Alene titlen, og så det at teksten er skrevet af den allestedsnærværende Kim Fupz Aakeson, gjorde mig straks interesseret. Anemonen, der tidligere hed Anemoneteatret, ligger i baghuset til Suhmsgade 4 ved Hauser Plads, lige bag Købmagergade. I passagen fra gaden og om til baghuset er væggene dekoreret af farvestrålende børnetegninger. En hyggelig foyer fører ind til en smuk lille teatersal, der kan rumme 150 børn og voksne.

Vi møder mor og far og lille Esben samme dag, som de skal afsted til begravelsen af Esbens farfar. De skal have pænt sort tøj på. Men hvorfor? Det får Esben ikke rigtig noget svar på. I kirken skal han være stille. Hans far siger, at farfaren ligger inde i kisten og bliver til jord, mens hans mor forklarer, at han bliver til en engel.

Om natten vender farfaren tilbage. Han kan gå gennem mure - og er blevet til et spøgelse. Men Esben genkender ham alligevel, og sammen går de ud i byen, for der er noget, de mangler at få gjort. Esben forsøger at gætte, hvad det er. 





Nat efter nat fortæller farfaren om sit liv. Mens de taler og bevæger sig rundt i byen, ser vi billederne af det, han fortæller, der bliver vist som små film bag dem. Det er charmerende animerede situationer fra et langt liv. Det er varmt og ligetil fortalt. Det giver mening til både livet og døden.

Det er enkelt fortalt, men det går lige til hjertet. Det er stykkets store fortjeneste, at det berettes som noget ganske naturligt. Hver morgen når Esben vågner og fortæller om, hvad han har oplevet om natten, kigger forældrene indforstået på hinanden og foreslår, at han bliver hjemme fra børnehaven. 

Faren fortæller også, at han selv har drømt, at farfaren har været der om natten, men ryster på hovedet af det, selv om Esben bekræfter det.




Det gode ved godt børneteater er, at det er godt for alle. Det er et meget rørende og tabuiseret emne, der fortælles om uden falbelader. Enkelheden er smuk og betagende. Emnet indbyder til det.

SÅ BLEV FARFAR ET SPØGELSE spilles dæmpet og indfølende af Martin Ammundsen som faren og farfaren, mens Line Skytte er moren - og som dukkefører tillige fører og giver stemme til Esben, der er skabt af Johan Kølkjær, der også har kreeret den øvrige scenografi. Thorkild Lindebjerg har instrueret med sikker hånd. Musikken af  Jens Tolsgaard skaber en god rytme i fortællingen. Sidsel Ramdal har været dramaturg på forestillingen.




Det er underligt med døden. Den er der hele tiden, og alligevel lever vi, som om vi ikke vil være den bekendt. Vi kan ikke finde ud af den. Den er der, og alligevel er den der ikke. Vi taler ikke gerne om den,  som om vi tror, at vi kan fortie den. Det er ikke muligt med denne forestilling, der giver hånden til døden og byder den indenfor.

Forestillingen ender godt. Det lykkedes både Esben og farfaren at finde det, som de leder efter. Hvad det er, må man se forestillingen for at finde ud af. Det er en meget tårevædet oplevelse - i hver fald for mig som voksen. Men det hele er fortalt ligetil  og med barnets nysgerrighed. Det er velgørende at opleve.



SÅ BLEV FARFAR ET SPØGELSE 

på Anemonen

af Kim Fupz Aakeson 

29. oktober - 14. november 2024

Medvirkende skuespillere: 
Martin Ammundsen og Line Skytte
Iscenesætter: Torkild Lindebjerg
Komponist: Jens Tolsgaard
Dukkemager og scenegraf: Johan Kølkjær
Dramaturg: Sidsel Ramdal
Regissør: Tine Als
Scenemester: Christoffer Pihl
Teknisk afvikler: Alma Soza Holmefjord

Co-produktion mellem Anemonen og Teater Lille Hest

*

Om Anemonen:
Byens bedste børneteater.
Anemonen er et levende scenekunsthus i indre by - 5 min. fra Nørreport Station. 
På Anemonen kan man opleve egenproduktioner og gæstespil ud fra tematikken, at være barn i en moderne verden. Anemonen har over 30.000 besøgende årligt.

*



*


Se oversigten over de 

311 andre anmeldelser


*

lørdag den 2. november 2024

Anmeldelse: REND MIG I TRADITIONERNE på Teater Vestvolden, SPEJLVENDT på Folketeatret og DØDSDANSEN på Teater V

Fotos: Marcus Uhre (Redigering: Søren Maisner), Gudmund Thai og Søgaard Film. 



I "Rend mig i traditionerne" på Teater Vestvolden tror David, at han er en hund og har en tikkende bombe indeni. I "Spejlvendt" på Folketeatret kan Alex ikke finde ud af, om han er dreng eller pige. Begge forestillinger handler om at finde sig selv og udfordre normaliteten. Den første er meget konkret, mens den anden er mere svævende og uafklaret, men til gengæld overvældende rørende, mens den første ikke ordentligt får bidt fra sig. I "Dødsdansen" på Teater V danses der på liv og død. Det hele danses uden et ord, men alt bliver alligevel sagt.


 Foto: Marcus Uhre/Redigering: Søren Maisner..


REND MIG 

I TRADITIONERNE

TEATER VESTVOLDEN
Fra 13 år + voksne
25. 10. - 16. 11. 2024


Det starter meget lovende i Henrik Markmanns bearbejdning af Leif Panduros roman. Hovedpersonen, David, i skikkelse af  Wahid Sui Mahmoud, er i spil helt fra publikum kommer ind, hvor han klovnesminket går rundt og taler med de unge. I baggrunden høres Tivoli-lyde (lyddesign af Weronika Andersen), mens farvede lysspots (lysdesign af Flora Brandt) fejer rundt på scenen. Stemningen er lidt som den opleves, mens man står i kø til en af forlystelserne i Tivoli. Det lægger virkelig op til noget, og det fortsætter også under den første scene, der straks vandt mig over. Wahid Sui Mahmoud udså sig blandt publikum én til at holde stramt fast i hans meget lange slips - og det blev mig, der fik fornøjelsen af at holde alt hvad jeg kunne i slipsets anden ende, mens han stemte fødderne imod og lænede sig faretruende bagover, så han udelukkende blev holdt oppe af grebet i slipset. I den tilstand udspilledes den første scene sig, mens David havde fået slipset ind i en automat og sad fast. En politibetjent tror, at han er ude på at bryde ind i automaten. Det er godt fundet på. Det er pågående og meget velfungerende, og det satte tonen for det efterfølgende. David bider betjenten, og bliver placeret på en lukket afdeling med tremmer for vinduerne, men ellers er alt godt. Eller så godt som det kan være, når man har en tikkende bombe indeni - og er begyndt at bide folkene omkring sig. David bider også broren, Hugo, og den søde sygeplejerske, Marianne, når det hele bliver for meget. Det er her at det kæntrer, for det bliver aldrig for meget. Det er faktisk alt for lidt.


Foto: Marcus Uhre/Redigering: Søren Maisner..


Der er alt for få bid, og bomben tikker heller ikke højt nok. Galskaben er så underspillet, at det hele bliver lidt fladt. Jo, det er velfungerende og Wahid Sui Mahmoud spiller godt og fyldestgørende, men dramatikeren og instruktøren, Henrik Markmann og Johan Sarauw, har været alt for enige om at tone det hele ned. Det er synd, for hvis Panduro er uden bid, så bider galskaben sig ikke fast, og så bliver teksten på en måde lidt harmløs. Den bider i hvert fald ikke fra sig. 


Foto: Marcus Uhre/Redigering: Søren Maisner..


Det er selvfølgelig et bevidst valg. Men det uskadeliggør teksten. Det så at sige normaliserer den, og så forsvinder galskaben, og det var netop dét, der var det gennemgående i Panduros værker, at der var en tikkende fornemmelse neden under det almindelige liv. Det var denne tikkende fornemmelse, der bredte sig til læserne og tv-seerne for snart mange år siden - og skubbede til normaliteten. Ja, det lukkede galskaben indenfor og gjorde, at det lagde gaderne øde, når hans tv-spil blev vist i fjernsynet. Men det var dengang.


Foto: Marcus Uhre/Redigering: Søren Maisner..


Det er klart at de unge, der oplever forestillingen på Teater Vestvolden, har ikke den bagage med, og det gør velsagtens, at de bare nyder det for det, det er. Der er både fordele og ulemper ved at bruge allerede kendte tekster på scenen igen. Det giver først og fremmest en nysgerrighed efter at opleve en nyklassiker, men det skaber uvægerlig også nogle forventninger. Denne teatergænger gik lidt slukøret fra forestillingen, selv om den egentlig var god nok, men jeg kunne ikke abstrahere fra, hvad det kunne have været. Jeg havde håbet på, at forestillingen havde været frisk, vild, vanvittig og fræk. Den var den langt fra, selv om alting fungerede i sin egen ret.


Foto: Marcus Uhre/Redigering: Søren Maisner.


Det er lykkedes at få romanems mange stemmer kogt ned og forenklet, så det kunne spilles af bare én skuespiller. Scenografien og det visuelle fungerede så fint og effektivt. Men jeg synes ikke, at der var den rette olie på maskinen, for Panduro uden vanvid og bid, blev måske nok en forestilling, der fungerer godt nok, men det kunne have været blevet så meget mere og vildere. Måske havde jeg bare håbet på, at dette kunne have været første trin til at mange flere af Panduros tekster igen kunne komme frem i rampelyset, men det synes jeg ikke at forestillingen lægger op til. De unge var helt stille under forestillingen og tydeligvis grebne. Bag mig hørte jeg en pige hviske: "Jeg kom vist til at græde...".


.
 Foto: Marcus Uhre/Redigering: Søren Maisner..

REND MIG 
I TRADITIONERNE
TEATER VESTVOLDEN
25. 10. - 16. 11. 2024
Fra 13 år + voksne
50 min


Medvirkende: Wahid Sui Mahmoud
Forfatter: Leif Panduro
Instruktion: Johan Sarauw
Manuskript: Thomas Markmann
– Med bidrag af/fra holdet
Lyddesign: Weronika Andersen
Projektionsdesign: Amunet Studio
Kostume og lysdesign: Flora Brandt
Dekoration: Holdet
Instruktørassistent: Marcus Haugaard Uhre
Dramaturg: Linnea Fabricius
Kostumier: Henrik Børgesen
Sminkør: Frederikke Bjørk
Bygger og teknisk chef:  Gert Christoffersen
Afvikler og forestillingsleder:  Mikkjal Galan
Producent:  Stephan Pollner
Forestillingsidé & produktion: Teater Vestvolden
Forlag: Gyldendal


Fotograf: Gudmund Thai.


SPEJLVENDT
af HiLS DiN MOR
på Hippodromen, FOLKETEATRET
fra 13 år + voksne
22. 10. - 6. 11. 2024


Det er fuldt ud i tråd med forestillingens og teatrets egen LGBT+målsætning, at vi fra starten af SPEJLVENDT - skrevet af William Lippert - har svært ved at skelne de forskellige personer fra hinanden, for de spilles alle af Lucia Vinde Dirchsen og Tryggvi Sæberg Björnsson, der vandrer glidende fra person til person - også kønsmæssigt i en fortælling, der netop handler om grænserne mellem kønnene. De er også klædt ens og starter med at stå foran store spejle, hvor de spejler sig selv og hinanden. For er de én og samme person, eller er de to forskellige personer?



















Fotograf: Gudmund Thai.


Alex, der lige er færdig med 9. klasse, er ved at falde fra hinanden. Han kan ikke få ordentlig fat i sig selv og omgivelserne. Det starter, da han en dag tager en nederdel uden på sine shorts. Straks tror de andre, at bedstevennen, Benjamin, også må være en kæreste. De to bedste venner skilles og forsones først mange måneder senere - og det er kun ved mellemkomsten af Sylvia Starlight, der spilles af René Benjamin Hansen, at det hele lidt efter lidt lader sig løse op. Alex er selv i vildrede, og ved ikke, hvordan han skal håndtere vennernes spørgsmål og drilleri?


Fotograf: Gudmund Thai.


Den overdådige scenografi af Lise Marie Birch & Lars Englund Frimann, der er enhvert tv-show værdigt, fungerer glimrende - og det gælder også Sylvia Starlight, der hver gang hun kommer til syne i et nyt outfit, modtages af publikums klap og begejstring. Det er en skarp balance at få dette showy format - koreograferet af Beck Heiberg - til at fungere sammen med den meget intime historie, men det mestres dækkende i Mikkel Reenbergs instruktion. Blev det for meget, ville det hele blive til banaliteter, men holdt stramt i tøjle, fungerer det på historiens egne præmisser - og det er det, der lykkes i "Spejlvendt". Lys og lyd er lagt i hænderne på Mads Lindegaard og Weronika Andersen.


Fotograf: Gudmund Thai.



For godt nok vendes det hele på hovedet, og det gør det også for publikum, men det er ofte nogle af de mest spændende teateroplevelser, når man skal kæmpe for at hænge fast, for hvem er hvem - og hvorfor og hvordan? Det taler alt sammen direkte ind i forestillingens tema om grænserne mellem kønnene - eller rettere om den ophævelse af grænser, der giver friheden til selv at vælge sin tøjstil og definere sig selv.


Fotograf: Gudmund Thai.


Jeg kneb en tåre, da Alex indre konflikt bliver råbt ud i et stærkt følelsesudbrud: "Jeg ved ikke, om jeg er dreng eller pige!" Det gik lige til hjertet, selv om vi havde luret, at det var omdrejningspunktet lige fra starten. Men teater er magisk, når det rigtig fungerer, så kan det det hele. Det virkede så renfærdigt. Så såre nøgent og ligetil - og alligevel så helt uoverskueligt og problematisk for hovedpersonen.

Jeg var oprigtig skuffet, da forestillingen sluttede og tænkte: "Nej, det må ikke ende her. Det kan da ikke allerede være forbi. Jeg vil have meget mere. Det kan ikke være rigtigt!" Men det var det - og tillykke til HiLS DiN MOR med deres vellykkede spejlvending af virkeligheden, så det hele kom til at stå meget klarere.



Fotograf: Gudmund Thai.


SPEJLVENDT
af HiLS DiN MOR
på Hippodromen, FOLKETEATRET
fra 13 år + voksne
22. 10. - 6. 11. 2024

Dramatiker: William Lippert
Instruktion: Mikkel Reenberg
Scenografi: Lise Marie Birch & Lars Englund Frimann
Dramaturgi: Ninette Mulvad
Koreografi: Beck Heiberg
Lysdesign: Mads Lindegaard
Lyddesign: Weronika Andersen
Medvirkende: Lucia Vinde Dirchsen, Tryggvi Sæberg Björnsson, René Benjamin Hansen
Co-produktion HiLS DiN MOR og Folketeatret



Foto: Søgaard Film.

DØDSDANSEN
af Holstebro Dansekompagni
på Teater V
31.10. - 3. 11. 2024


Da lyset går op for Holstebro Dansekompagnis DØDSDANSEN, præsenteres vi for en række billeder, hvor det ældre ægtepar krammer og begærer hinanden, så det tangerer det apatiske. Det ligner mere en nærkamp, end det ligner kærlighed. Sådan er kærligheden jo også, men der er alligevel noget foruroligende over det. Det er som om de ikke kan få nok af hinanden, eller også er de ved at fortære hinanden. Mon de vil overleve den kærlighed eller vil de gå til grunde og brænde op i  lidenskabens flammer?


Foto: Søgaard Film.


Bagefter sidder parret side om side i hver sin lænestol i dagligstuen. Det er som om tiden er standset, som om de befinder sig i limbo og er spærret inde med sig selv og hinanden. Hun sidder og trommer utålmodigt med fingrene på stolens armlæn. Det virker manisk. Det bliver ved og ved. De er helt og aldeles prisgivet hinanden.


Foto: Søgaard Film.


Thomas Bentin har koreograferet og instrueret DØDSDANSEN. Koncept og ide er undfanget af Marie Brolin-Tani og Melody Putu. Det var også de to sidstnævnte, der skulle have danset ægteparret, men en skade gjorde, at manden i stedet danses af Alexandre Bourdat. Men der er også en tredje med på scenen:  Lionel Ah-Sou. Han præsenteres, efter at ægteparret har gennemlevet deres had/kærlighed i utallige scener, der giver fornemmelsen af, at det kun er noget udefrakommende, der kan redde dem fra hinanden, så måske er det ham, den yngre, der er redningen?'


Foto: Søgaard Film.


Hans-Olof Tani har med scenografien (og lysdesignet) skabt et rum, der umiddelbart virker tilforladeligt. I hver side er der placeret en række forskellige standerlamper. Gulvet er dækket af et hvidt blødt tæppe. Bag dem i midten er der et langt, hvidt forhæng - og så er der de to lænestole. Rummet virker indbydende og velbehageligt. Denne hyggelighed kontrasteres af dansen mellem de to, der snart efter bliver til tre. Ægteparret slås tydeligvis om den yngre mands opmærksomhed. De tvinger ham til at vælge side " i krigen", for det er, hvad han er trådt ind i. 


Foto: Søgaard Film.


Skiftevis danser de tæt ind på ham. Hun spiller tydeligvis op til ham rent seksuelt, mens han i stedet forsøger at blive bedste venner med ham, og samtidig forsøger de begge at holde partneren på afstand.  Alt for sent opdager han, hvad han uvægerligt er blevet blandet ind i. De har som edderkopper spundet ham ind i deres net, indtil han ikke længere kan bevæge sig. Men ægtemanden kollapser, dog kommer han til sig selv igen. Da ægteparret til sidst igen er ladt alene tilbage, fortsætter de deres had/kærlighedsforhold, som om intet er sket - og det er der måske heller ikke?


Foto: Søgaard Film.


Det er en vild ide at tage August Strindbergs skuespil DØDSDANSEN og omsætte den til dans. DØDSDANSEN er et intenst drama mellem ægteparret Edgar (kaptajnen), hans hustru, den tidligere skuespillerinde Alice, og vennen Kurt, der kommer på besøg fra Amerika. Ægtefællerne er gennem 25 års samliv blevet hinandens fangevogtere på den lille skærgårdsø, hvor kaptajnen er kommandant på en fæstning. Der går ikke længe, før Kurt bliver draget ind deres psykiske mareridtsspil, og 25 års opsparet bitterhed får frit løb.

Der sker det, at al det faktuelle forsvinder, for uden at et eneste ord bliver mælet - for dette er nu omsat til moderne dans, hvor de bitre ord mellem ægtefællerne i stedet er blevet erstattet af deres bevægelser - træder kernen i dramaet lyslevende frem. Måske ser vi det for første gang. Uden ord bliver det hele reduceret til rå parringsdans eller er det hadedans?


Foto: Søgaard Film.


Der er røg på scenen i begyndelsen og slutningen. Røgen indhyller ægteparrets dansen op mod hinanden. Den fjerner dem fra stuen og får deres dans til at blive en allegori på kærlighedens dybe fald. Der er ingen tvivl om, at parret en gang har elsket hinanden, men det er nu så længe siden, at det har glemt det. Kærligheden er sluppet op og tilbage er kun hadet.


Foto: Søgaard Film.


Det er fascinerende at følge den kamp de to - og siden tre - udkæmper. I den dialog vi ikke hører, handler det om at overleve. De tre lever i hver deres verden og i deres egen fortolkning af verden, og de 3´s verdener kolliderer. Ægteparret er for længst holdt op med at lytte til hinanden. Hos Strindberg er det kønnenes kamp mod hinanden. I Strindbergs berømte skuespil ET DRØMMESPIL gentages det, at det er synd for menneskene. Det er det også i DØDSDANSEN, men det er ikke synd for publikum, for vi underholdes fyrsteligt. 
Der er meget at tænke over efter at have oplevet DØDSDANSEN - og endnu mere, når det har udspillet sig i dette ordløse rum, hvor kroppe kastes mod hinanden som var det dødbringende spyd.


Foto: Søgaard Film.


Musikken og lyddesignet af Christian Tronhjem, hjælper fortællingen på vej. Lydlige soundscapes afløses af knibsk dansemusik, der igen brydes med toner fra en fjern susen, hvor hastigheden manipuleres, for helt at gå i stå i frysende øjeblikke, hvor alting hører op. Åsa Gjerstad har kostumeret danserne, så de både fremstår noble og præsentable, før de danser sig ind i natten og forsvinder. Eller det er netop det grumme ved DØDSDANSEN, at intet forsvinder. Alting gentages. De lever i hinandens mareridt, og det bliver ved og ved. Som en uendelig dance macabre. 



Foto: Søgaard Film.


DØDSDANSEN
af Holstebro Dansekompagni
på Teater V
31.10. - 3. 11. 2024

Koncept og ide: Marie Brolin-Tani og Melody Putu
Koreografi og iscenesætter: Thomas Bentin
Medvirkende og medskabende dansere: 
Marie Brolin-Tani, Alexandre Bourdat og Lionel Ah-Sou
Musik og lyddesign: Christian Tronhjem
Kostumedesign: Åsa Gjerstad
Lysdesign og scenografi: Hans-Olof Tani
Koreografisk konsulent og producent:  David Cornelius Price
Producent: Holstebro Dansekompagni


*


Se oversigten over de 

311 andre anmeldelser


*